坪井祐泰

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邦画の黄金時代は、1950年代と言われています。歴史的にいうと、第二次世界大戦、原爆、そしてそれに続く連合国軍の占領により大きな被害を受けた時代でしたが、その一方で、インスピレーションや再出発への意欲に満ち溢れていた時期でもあったのです。

次第に経済が回復し始めると、メジャー系の映画会社・撮影所が登場してきました。東宝、大映、松竹、日活、東映の５社は、当時優秀だった作家たちを積極的に起用・支援しました。その結果、さまざまな名作が生まれたのです。また、好景気で懐が潤うようになった国民が次々と映画館へ足を運んだため、興行収入も急激に伸びるようになりました。

中でも、黒澤明、溝口健二、小津安二郎、小林正樹らは巨匠と呼ばれ、これらの監督がこの時代に作った作品は、今でも邦画界史上最高の傑作とされています。

1.『東京物語』（小津安二郎監督、1953年）

こちらの小津監督による傑作は、最も日本らしい映画作品のひとつとみなされており、2012年には「Sight & Sound」誌の監督投票で『市民ケーン』を抜いて、映画人が選ぶ最も素晴らしい映画に選ばれています。

作中では、第二次世界大戦から8年後の東京を舞台にしています。主人公はある老夫婦で、話は２人が東京に住む子どもたちを訪ねる様子を中心に展開されます。子どもたちはそれぞれ家庭を持っており、大きくなるばかりの大都会で忙しく暮らしていることから、両親にあまり構おうとせず、とうとう２人を東京から熱海の旅館へと追いやってしまいます。

戦後の日本では、数十年における急速な近代化から新たな理想が生まれていましたが、小津監督はそれとは対照的に、従来の古い価値観を好むような作品を作り上げました。すなわち老夫婦は、喜びや愛に満ちた夫婦として描かれており、それとは対照的に、子どもたちの家族は、現代社会によってもたらされた困難にあがいているように見えます。

2.『人間の條件』（小林正樹監督、1961年）

1956年〜1958年に発売された五味川純平の自伝的著書（全6巻）をトリロジー構成で映画化した作品で、世界映画の名作として評価されています。

あらすじは、平和主義の社会主義者である主人公の梶が、第二次世界大戦中、召集から逃れようとしながら、当時の権威主義的な日本国家にどんどん押しつぶされていく姿を描いています。最終章では、梶は妻のもとに戻ろうとするのですが、舞台は満州の捕虜収容所から前線へ、そして再び満州へと戻っていきます。

3.『宮本武蔵』３部作

吉川英治の小説『宮本武蔵』を原作に、稲垣浩監督が３部作として映画化したシリーズ。かの有名な宮本武蔵が幼い少年から知識豊富な武士へと成長していく過程を描いています。第1作は1956年にアカデミー賞外国語映画賞を受賞しており、3部作のすべてが、その影響力の大きさから映画史上に残る作品として広く知られています。

俳優・三船敏郎は３作すべてで素晴らしい演技を披露しており、当時の日本を代表する俳優としての名声をこの３部作によって確立しました。宿敵・佐々木小次郎を演じた鶴田浩二も素晴らしく、第３作のラストで繰り広げられる２人の決闘は、３部作のハイライトとなっています。

この世の中では、創造力に優れた人たちが突然現れ、あるメディアに革命を起こし、芸術を新たな高みへと押し上げる、といったことが時として起こるものです。ただ、こうした先駆者たちが、生きている間は誤解される、正当に評価されない、ということも往々にしてあります。

日本では20世紀半ばに、新たな概念や技術をもたらし、その後何十年にもわたって映画製作者たちに多大な影響を与えることとなる映画が数多く作られました。

そこで今回は、邦画業界全体に影響を与え、邦画作品のレベルアップに貢献した映画監督をご紹介したいと思います。この巨匠の監督の手法やビジョン、影響力は今日でも広範囲に及んでおり、西洋の映画にも広く影響を与えてきました。

邦画には興味があるがどこから手をつけていいのかわからない、という方は、ぜひ続けてお読みください！

邦画の特徴

120年以上の歴史を持つ邦画業界は、世界の中でも古く、最大規模をもつ映画産業の一つです。ここでは邦画全体を正確に定義することなどとても無理ですが、特筆すべき特徴がいくつかあり、それらによって邦画独特の味わいが生み出されている、ということは述べておきたいと思います。

2016年、国際交流基金（国際文化交流を推進する日本の団体）ロンドン日本文化センターのシニア・アーツ・プログラム・オフィサーである竹川純子さんが、邦画についてのインタビューに答えています。竹川さんは、日本の映画が欧米の観客にとって魅力的なのは、ストーリーテリングのスタイルがハリウッドとは異なるため・物語がドラマチックであるため・山場となって終わることがないため…などの理由ではないか、と考えています。

また、邦画はサイズが小さいことから、現実感を与えやすいのです。そのため、登場人物やその苦悩にも共感しやすくなっています。結果として邦画は、日本文化に馴染みのない人を含む幅広い層にアピールするのではないか、とコメントされています。

さらに、日本に関心のある欧米の観客の場合、邦画を観ていると、まるで別の世界でも見ているかのような気持ちになるのかもしれませんね。私たち日本人にとっては日常の何気ない出来事でさえ、海外の方には斬新で興味深いものに見えるのです。

さてここで、邦画名作を数々生み出してきた映画監督１人を取り上げることにします。知らない人はいないと思いますが、黒澤明監督です。黒澤監督は世界的に有名な映画監督・脚本家であり、その60年近いキャリア（1936年〜1993年）において、西洋の映画製作を模倣する才を大いに見せてくれました。

黒澤監督の作品を観れば、邦画世界への扉がさらに大きく開かれるはずです。範囲や手法、影響力の点で、時代を先取りしていた巨匠ともいえる存在です。

というのも、黒澤監督が生み出した作品は、日本と西洋の両方から幅広くインスピレーションを得ており、オリジナル脚本の作品はハリウッド映画にも多大な影響を与えました。卓越していた黒澤監督の才能を見抜いたハリウッドは、黒澤監督にインスピレーションを求めるようになったほどです。

黒澤監督の映画の舞台は日本であり、登場人物も日本人ですが、物語の手法に西洋の影響が大きく見られます。ただ西洋の古典文学よりもキャラクターやテーマがもっと普遍的であり、世界中の誰もが身近に感じられるところが特徴です。

さあそれでは、ポップコーンを片手に、たまには邦画名作を楽しんでくださいね！

近年、スポーツイベントや競馬などに賭ける人が増えています。テレビでも、人気ゲーム番組が賭けの対象となる、ギャンブルをテーマにした番組の数が大幅に増える、といった現象が起こっています。ギャンブルを描いた映画は世界中で作られていますが、そうした映画が昨今のギャンブル人気にどのくらい影響を与えているのかは、正直言ってわかりません。

ただ、ギャンブルを描いた映画が好きという人は意外に多いという分析もあります。最近のアンケート調査によりますと、ギャンブルで富を得ることを描いた映画に興味を持つ人が増えているようです。

他人がどうお金を手に入れたり、どう使っていたりするのかを見ていると、自分も同じことをやってみたいと思うかもしれません。ギャンブルはスリル満点ですし、何より勝つと楽しいですし、なんせギャンブルをする人は、そうした気持ちを味わいたいからこそ始めるのです。ギャンブル映画なら、観客はギャンブルする人の気持ちをギャンブラー自身の視点から観察することができます。

カジノで本物の人を相手に、本物のお金を賭けてプレイしたいと思っている方は多いと思います。カジノという場で、本格的なスリルを味わいたいのです。「慣れ親しんだゲームなら、ちょっと時間をかけただけで勝てるのではないか」と信じてしまう人はたくさんいますから。

それに、映画の作中で他人が賭けて勝つのを見ていると、自分にもできそうな気がしてくる、という方もいるでしょう。勝負時のスリル感には、誰もが心を惹かれるものです。テレビや映画でギャンブルのプレイシーンが描かれた結果、カジノ人気が高まったとするならば、その理由の一つはここにあるのかもしれません。

映画で主人公がプレイしていたゲームの人気が爆発するということは、よくあることです。自分も主人公と同じ楽しみを味わいたい！と、カジノに足を運ぶ人が増えるからです。

最近では、ポーカーの人気が上昇していますが、それはポーカーが勝負という場にいながらも、楽しみも味わうことができるゲームだからです。ポーカーでは、プレイヤーは自分の好きなハンドに賭けることで勝利を目指します。これがルーレットなら、プレイヤーは有利な相手に賭けないよう、ベットを調整していくことになりますね。

では一体、映画業界は今後どうすれば、ゲームやカジノ業界をもっと盛り上げていくことができるでしょうか？その答えは、「カジノで行われていることを理解する人が増えれば増えるほど、ゲーム産業はより繁栄しやすくなる」ということだと言われています。つまり、映画の中でギャンブルやビデオゲームのシーンが描かれれば描かれるほど、より多くの人が自分も運試しをしたいと思うようになる、ということです。

結論としては、映画がギャンブルビジネスにとって不可欠な理由はいくつもありますが、その中でも特に重要なのは、ゲームをもっと知りたいと思う人たちを惹きつけ、ギャンブルという大衆的な娯楽をより好意的にとらえてもらう、という点でしょう。